Yes, junto con Pink Floyd, fueron los padres fundadores del rock progresivo, un género musical que todavía florece hoy. Ambas bandas estaban en todos los tocadiscos, todos los días, durante la década de los setenta y fueron reverenciados por aquella generación. La imitación es la forma más sincera de la adulación. Había muchos que siguieron sus pasos (es decir, Gentle Giant, Starcastle, Genesis, King Crimson). Todos los imitadores eran buenos, aunque un poco pretenciosos, y ninguno sonaban tan bien como Yes. Al final, simplemente Yes escribió mejores canciones.

El catálogo de Yes es extenso y se mantiene muy bien. Sin embargo, su mejor álbum es “Close to the Edge”. Una de las verdaderas marcas de la grandeza es la originalidad. Mientras que el 99% de la música es derivada, Yes elaboró ​​su propio sonido, que era único. Yes contaba además con músicos muy talentosos, verdaderos virtuosos de su instrumento: Jon Anderson con su voz de soprano como voz principal, Steve Howe en la guitarra, Rick Wakeman en el teclado, Bill Bruford en la batería y Chris Squire en el bajo.

Esta obra de 1972, inmaculadamente concebida y entregada por Yes, a menudo se considera que es el pináculo del rock progresivo. Revisitándolo 45 años después, no es difícil ver por qué. “Close to the Edge” es el quinto álbum de estudio de esta banda seminal y uno que consolida el lado experimental de gran parte del trabajo anterior del grupo en una verdadera estructura sinfónica. Es grandioso por el diseño y la intención, rebosante de virtuosismo en todos los aspectos, quizás no exento de pretensión, pero de un tipo gloriosamente perdonable. Representa una evolución en la música rock que puede no ser universalmente aceptada, pero que merece ser explorada por generaciones de aficionados a la música, del pasado, presente y futuro.

Yes en 1972: Chris Squire, Rick Wakeman, Bill Bruford, Jon Anderson y Steve Howe

Recordando que el álbum salió cuando casi el único formato comercial era el vinilo, las leyes de la física exigen una cara uno y una cara dos. Un álbum típico de la época tendría quizás seis pistas en cada lado, y mientras que los rockeros progresivos registraron mucho menos canciones en los 12 pulgadas. La oferta de Yes era inusual al tener solamente tres, aunque ampliamente extendidas. “Close To The Edge” (la canción) ocupa un lado entero y dura 18:50. Iniciando la cara b tienes “And You And I” (10:09) y “Siberian Khatru” (“simplemente” 8:57).

“Close To The Edge” (la canción), está estructurada en cuatro partes, o se podría decir movimientos, que reflejan el desarrollo sinfónico a lo largo de las líneas de una sonata clásica. Los instrumentos, que se engranan de manera brillante con un tiempo preciso, a pesar de la avalancha de notas, y la creación de un fantástico sentido de la dinámica. Esta última cualidad es una marca registrada de Yes. Esta canción es un amplio lienzo de intrincados intercambios instrumentales destacados por la voz sublime y poética del cantante Jon Anderson. Su voz cristalina de soprano, era el ajuste perfecto para la banda.

Al igual que la canción que da título al disco, “And You And I” está dividida nominalmente en cuatro secciones, aunque en realidad no es necesario saberlo para apreciar la canción. Es una experiencia completamente más suave y totalmente atmosférica con la apertura acústica de Howe que rivaliza en intensidad con “Stairway to Heaven”. Continua el inicio de la canción con un leve sonido de tambor, el tintineo de un triángulo y esos encantadores acordes de guitarra ascendente. Es un momento único de puro deleite; uno que hace a las muchedumbres emitir ruidos primarios cada vez que se interpreta en vivo. Las letras, son un poco menos obtusas, mientras la canción sube y baja en una serie de ciclos perfectamente ajustados. Felicidad pura.

Yes con su productor Eddie Offord. Fotógrafo: Barrie Wentzell

“Siberian Khatru” es rocosa, de hecho, casi funky. Conducida por las poderosas líneas de bajo de Chris Squire y Bruford en la percusión, es un vehículo adicional para una magnífica interacción entre la guitarra y los efectos del teclado, especialmente en la sección media. Un aspecto más amable se introduce a través de las líneas vocales de Anderson, que son regularmente decoradas por las armonías de Howe y Squire.

Al final, “Close to the Edge” sigue siendo uno de los mejores álbumes de la década de los setenta. Todavía es fresco y original, y su encanto sigue siendo tan fascinante como el día que fue lanzado.

Enlace al Álbum

Close to the Edge (En Directo – 1972)

And you and I (En Directo – 1972)

Siberian Khatru (En Directo – 1979)

Retrato de Claudio Monteverdi en Venecia, sobre 1640, por Bernardo Strozzi

Claudio Monteverdi fue un revolucionario musical. A lo largo de la historia de la música, pocos compositores han tenido un impacto más radical en su arte que el italiano, cuyo 450º aniversario de su nacimiento celebramos este año. Sus innovaciones compositivas cambiaron la música para siempre. Por supuesto, no fue el único compositor de su época, pero su genio brilla mucho más que el de sus contemporáneos.

Uno de los logros más importantes de Monteverdi es la introducción del drama en la música. Su trabajo de 1607 “L’Orfeo” se conoce a menudo como la primera ópera, en sentido estricto no lo es, pero es el primer (y el mejor) ejemplo que tenemos de un éxito musical integrado a gran escala. La teatralidad de Monteverdi, sin embargo, fue perfeccionada y desarrollada en sus madrigales: canciones seculares para varias voces en las que exploró las capacidades expresivas y dramáticas de la música.

Al lado de la música secular para la corte, Monteverdi escribió mucha música para la iglesia; De hecho, se convirtió en director de música en la Catedral de San Marcos de Venecia en 1613. Sin embargo, tres años antes, publicó lo que debe considerarse una de las verdaderas obras maestras de la música sacra, su “Vespro della Beata Vergine”. Es un trabajo enorme, estableciendo una docena de textos de las vísperas a una asombrosa variedad de estilos musicales, de canciones en solitario a coros con instrumentación completa.

Claudio Monteverdi hacia 1597. Le representa con unos 30 años y es su primer retrato conocido.

Claudio Monteverdi nació en 1567 en Cremona. Esta pequeña ciudad del norte de Italia resultó sorprendentemente beneficiosa para el compositor. En primer lugar, fue el hogar del respetado y bien conectado músico de la iglesia Marco Antonio Ingegneri, bajo el cual Monteverdi aprendió a escribir contrapunto correcto en el estilo antiguo (stile antico) basando sus composiciones en obras de otros compositores. Su motete temprano “Quam pulchra es”, por ejemplo, está modelado sobre un ajuste del mismo texto por el compositor Costanzo Festa, y sus primeros madrigales tomaron prestados muchos elementos de las piezas escritas por Marenzio, el mismo Ingegneri, y varios otros.

Otra ventaja para Monteverdi fue que Cremona fue el hogar de la familia Amati, famosa por su fabricación de instrumentos de cuerda. Por lo general, pensamos en Monteverdi como compositor vocal, pero es entre sus obras donde encontramos la primera gran floración de la música instrumental de conjunto dominada por los violines, como en los interludios y ritornellos que rodean las arias y coros de su ópera “Orfeo”, de algunas piezas de baile y los acompañamientos instrumentales que escribió para sus últimos madrigales.

De hecho, la primera ocupación de Monteverdi cuando salió de casa a principios de la década de 1590 fue como músico de cuerda en la corte de Mantua. Esta corte fue gobernada por la familia Gonzaga y que, junto con la cercana ciudad de Ferrara, estaba justo en el centro de los desarrollos más progresistas del madrigal de finales del siglo XVI. Tanto Mantua como Ferrara tenían grupos especializados de cantantes femeninas y esto alentó un cambio en las texturas de los madrigales. Así, encontramos un trío de voces altas que dominan varias obras (“Quel augellin che canta” y “O come è gran martire” entre otros) en los terceros y cuartos libros de madrigales de Monteverdi.

Los trabajos más famosos de su período de Mantua son la ópera “Orfeo” (1607) y las Vísperas (1610). Aunque la ópera se había inventado en Florencia alrededor de 1600, “Orfeo” es la primera obra maestra en ese género.  Las tensiones entre Monteverdi y la familia Gonzaga, le llevó a abandonar su empleo en 1612.

Tomó Monteverdi un año para encontrar un nuevo puesto, pero en agosto de 1613 fue nombrado Maestro di Cappella de la Catedral de San Marcos en Venecia. Durante los siguientes 30 años, estuvo en el centro de la vida musical veneciana. El período hasta 1630 parece haber estado especialmente ocupado y sus actividades eclesiásticas lo mantuvieron ocupado escribiendo misas y motetes. También reabrió contactos con los Gonzaga, proporcionando varios trabajos escénicos para ellos.

Sus clientes privados en Venecia incluyeron a la familia Mocenigo, para quien escribió la ópera “Proserpina rapita”, y el más famoso “Combattimento di Tancredi et Clorinda” que fue publicado en su Octavo Libro de Madrigales. Esta última colección contiene un prefacio en el que Monteverdi justifica su uso de nuevos estilos musicales, particularmente el concitato y el rappresentativo . El “Combattimento”, con sus acordes repetidos que representan los sonidos de la batalla, proporciona ejemplos de los primeros, y el hermoso “Lamento della ninfa”, con sus oportunidades de respuesta dramática, encaja en este último.

Logo de la Celebración del 450º Aniversario de su Nacimiento en su Ciudad Natal de Cremona

En 1637 los venecianos decidieron abrir la primera ópera pública, ofreciendo la oportunidad a Monteverdi de un último gran florecimiento de sus habilidades compositivas. Entró en el reino de la ópera pública con cautela en 1640 con un renacimiento de su “Arianna”, pero luego en la misma temporada presentó “Il ritorno d’Ulisse en patria”, que se realizó de nuevo en el año siguiente. En 1643 llegó su obra maestra lírica, “L’incoronazione di Poppea”. Ese mismo año falleció.

Monteverdi es la figura que sirve de puente entre la música del Renacimiento y la del Barroco, siendo el más talentoso músico de su generación. Vivió mucho tiempo para su época (76 años), lo que le permitió participar de ambos periodos: primero ser un compositor muy relevante de música tardo-renacentista y luego protagonizar la llegada y triunfo del nuevo estilo barroco. Todo esto ayuda a explicar por qué su obra perdura hasta el día de hoy.

L´Orfeo

Vespro della Beata Vergine

Selección de Madrigales

Durante el transcurso de su carrera, Stephen Stills ha sido miembro de varios grupos. En Buffalo Springfield compartió liderazgo creativo con Neil Young y, con el paso del tiempo, con Richie Furay. Los eternos Crosby, Stills & Nash son básicamente tres artistas solistas que crean su música y luego se unen de vez en cuando para grabar y hacer una gira. Manassas, a pesar de su corta duración, fue una banda en el sentido clásico de la palabra, aunque con el completo control de Stills. Su álbum de debut  fue uno de sus mejores logros creativos.

Stills reunió lo que era casi un grupo perfecto. Su amigo Chris Hillman, que estaba aburriéndose como una ostra con los Flying Burrito Brothers, era el guitarrista rítmico, tocaba la mandolina, y probablemente lo más importante, era la segunda voz del grupo. Los viejos amigos Calvin “Fuzzy” Samuels en el bajo y el batería Dallas Taylor también formaron parte. El resto de la banda estaba formado por el guitarrista y vocalista Al Perkins, el teclista Paul Harris y el percusionista Joe Lala.

Lanzado en abril de 1972, su auto-titulado álbum debut, fue uno de los mejores lanzamientos de la década y sigue siendo un álbum excelente 45 años más tarde. Fue uno de los pocos álbumes dobles que realmente merecieron dos discos. El nombre del grupo surgió por casualidad, al fotografiarse en la estación de Manassas (Virginia), después de una de sus primeras actuaciones. Es la foto que ilustra la cubierta del álbum.

Paul Harris, Joe Lala, Chris Hillman, Dallas Taylor, Calvin “Fuzzy” Samuels, Stephen Stills y Al Perkins

El concepto del álbum es más fácil de seguir en el formato original en vinilo. Se dividió en cuatro secciones, cada una de ellas subtitulada y comprendiendo una cara de cada disco.  También la edición original vino acompañada con el cartel, las fotos, y las letras manuscritas. Todo eso se perdió en la reedición en CD.

“Si quisieran darle un nuevo nombre al rock and roll, podrían llamarlo Chuck Berry”, dijo John Lennon con didáctica y meridiana claridad. Berry no se consideraba el inventor del género. A menudo insistía en que no había nada nuevo bajo el sol musical, y que todo lo que hizo fue combinar influencias de los más variados estilos. Pero cualquier cocinero sabe que las proporciones y el método de cocinar es tan importante como los ingredientes, y la fusión de R & B, blues, jazz y un toque country de Berry puso los cimientos del género que cambió la música del siglo XX.

Y Berry fue el primer héroe de la guitarra. El desempeñó un papel decisivo en la definición de las seis cuerdas como instrumento definitivo del rock and roll. Berry resumió que su estilo instrumental era simplemente una amalgama de sus influencias.

Berry creó un estilo que alimentaría a otros artistas. Es difícil imaginar dónde estarían Keith Richards o Steve Jones sin el ejemplo de Chuck. Y ver como tocaba Berry era casi tan emocionante como oírle; En sus manos, su Gibson era un personaje más en escena, mientras lo sacudía de un lado a otro, te apuntaba como con un rifle o fingía que era su amante.

Frente a la alegría e ingenio de la música de Chuck Berry, su figura humana era más complicada. Berry nació en St Louis, Missouri, el 18 de octubre de 1926. Sus padres eran nietos de esclavos, y aunque su madre había podido estudiar y su padre dirigía un negocio de construcción mientras servía como diácono en una iglesia Baptista, esto no le libró del ambiente que lo rodeaba. Viviendo en el sur en un momento en que la segregación estaba a la orden del día, el racismo era un hecho diario, y el linchamiento era una realidad preocupante.

El joven Chuck Berry era brillante, ambicioso y talentoso, pero también tenía una mente independiente y era muy impulsivo. Berry abandonó la escuela cuando tenía 17 años, y en 1944, partió en un viaje por carretera a California con algunos amigos que se convirtieron en una mala compañía, siendo cómplice de varios robos. Chuck estuvo tres años en un reformatorio de Missouri para Jóvenes. Cuando fue liberado, Berry parecía dispuesto a aceptar cualquier trabajo que pudiera conseguir: la construcción, fotografía o peluquería. Pero mientras actuaba en programas de nuevos talentos, desarrolló un gusto por hacer música y tomó la guitarra. En 1951, un viejo amigo, Tommy Stevens, invitó a Berry a unirse a su banda. Su grupo pronto atrajo a seguidores fieles, y en 1952, Berry se unió al Sir John Trio, un combo de San Luis con el pianista Johnnie Johnson y el batería Ebby Hardy.

Trabajando con Johnson, Berry creó el estilo que se convertiría en su firma, aunque muchos han sugerido que tomó prestado más de Johnson de lo que estaba dispuesto a admitir. En 1955, Berry conoció a Muddy Waters, el icónico bluesman, y Waters sugirió que debería ponerse en contacto con Chess Records, el sello de Chicago que acogió a algunos de los grandes nombres del blues. Después de escuchar una cinta casera que Berry envió a Chess, la discográfica lo invitó a Chicago a grabar un disco. Unas semanas más tarde, “Maybellene” fue un éxito masivo, y Chuck empezaba a andar su camino.

Chuck Berry (Maybellene) 1955

Siguieron otros éxitos, entre ellos “Roll Over Beethoven”, “Rock & Roll Music” y “Sweet Little Sixteen”. Pero si hay una canción que representa el legado de Berry, es sin duda “Johnny B. Goode”. La historia de un niño campesino al que su madre le dice que va a ser una estrella, fue la canción de Berry, la narración arquetípica de los aspirantes a rockeros y una de las grabaciones más excitantes de la historia de la música. Berry apenas puede contenerse mientras las palabras se apresuran en su boca (“En lo profundo de Louisiana cerca de Nueva Orleans / Camino de vuelta en el bosque entre los árboles de hoja perenne”) y un aguacero de guitarra, batería y teclados amplifica cada llamada de “Go, Johnny Go!”.

Chuck Berry (Johnny B. Goode) 1958

La creciente carrera musical de Berry volvió a descarrilarse en 1961, cuando fue condenado bajo la Ley Mann por transportar ilegalmente a una mujer a través de varios estados con “propósitos inmorales”. Tres años antes, en 1958, Berry había abierto el Club Bandstand en el distrito comercial, predominantemente blanco, del centro de St. Louis. Al año siguiente, en una estancia en México, había conocido a una camarera de 14 años de edad, y a veces prostituta, y la trajo a St. Louis para trabajar en su club. Sin embargo, él la despidió sólo semanas más tarde, y cuando ella fue arrestada por prostitución, presentaron cargos contra Berry que terminaron con una condena de 20 meses en la cárcel. Este segundo juicio y la condena resultante de dos años lo dejaron profundamente amargado.

Su liberación coincidió con el renacimiento de R & B en Gran Bretaña. Con su material siendo versionado por bandas como The Beatles y Rolling Stones, su trabajo fue descubierto por una nueva generación.

Siguieron giras exitosas. Él anotó algunos éxitos más como la atípica “My Ding-a-Ling”, de 1972, repleta de doble sentido.

Chuck Berry (My Ding-a-Ling) 1972

Chuck Berry estaba emocionando al público con sus actuaciones en vivo. Su marca registrada fue su “paseo del pato”, un movimiento que hacía agachado durante sus solos de guitarra.

Fuera del escenario, podría ser un personaje espinoso, ejemplificado en la película de 1987 “Hail! Hail! Rock & Roll” que incluyó una gira con una banda de acompañamiento organizada por el devoto Keith Richards de los Rolling Stones. Esta película fue diseñada para honrar a Chuck Berry, pero al final, el mensaje más obvio era que Chuck no necesitaba la validación de nadie, considerando que él es la figura más importante e influyente en el rock & roll

Keith Richards con Chuck Berry

En 1996, volvió a las actuaciones en vivo con un show en un club nocturno de St. Louis, “Blueberry Hill”, y terminó haciendo 209 conciertos en ese lugar antes de rendirse en octubre de 2014.

En su 90 cumpleaños, en octubre pasado, Berry anunció que lanzaría un nuevo álbum en 2017, titulado simplemente “Chuck”. A pesar de la muerte de Berry el pasado sábado 18 de marzo, su familia ha anunciado que el álbum se publicará en junio, y una canción del álbum, “Big Boys”, ya se conoce. Con una melodía y una línea de guitarra que recuerda sus éxitos de los años cincuenta. El tema apenas suena como el trabajo de un hombre de noventa años, es inteligente, animado y juguetón, como una canción de Chuck Berry debe ser. No se si el álbum va a estar a la altura del primer single, pero con “Big Boys” tenemos un recordatorio de que Berry todavía suena tan fresco como hace sesenta años.

Chuck Berry (Big Boys) 2017

Chuck Berry (Live at BBC Theatre) 29/03/1972

En los últimos años, la cantante, la vocalista femenina, ha tenido un regreso significativo. En el mundo del jazz, parece que casi todos los álbumes vocales que están siendo editados son por una cantante. El éxito de Diana Krall, y la reciente sensación creada por Jane Monheit han ayudado a allanar el camino para una oleada de valiosas vocalistas de jazz.

Norah Jones realizó un debut discográfico impresionante en 2002 con “Come Away With Me”. Al igual que Jane Monheit, Norah Jones debutó muy joven, con 22 años. A diferencia de muchos de los cantantes de jazz que han surgido, Norah hace material principalmente nuevo, incluyendo un par de canciones que ella escribió, pero la mayoría de su álbum consiste en canciones escritas por los miembros de su banda.

Norah Jones es hija de Ravi Shankar, el gran patriarca de la música hindú y quien la popularizó en occidente. Nació en Nueva York, pero cuando tenía cuatro años, se mudó con su madre a Texas, cerca de Dallas, y absorbió el contenido de la colección de discos de su madre, incluyendo una caja de grabaciones de Billie Holiday.

Después de graduarse de la escuela secundaria, se matriculó en el programa de música de la Universidad Estatal del Norte de Texas, con especialización en piano de jazz. En 1999, marchó a Nueva York para una estancia durante el verano. Viviendo el ambiente del Greenwich Village, decidió no volver a la universidad, permaneciendo en Nueva York y absorbiendo y formando parte de la escena musical de la ciudad. Ella cantó con una banda llamada Wax Poetic y también formó su propio grupo, consiguiendo un contrato con la etiqueta de jazz Blue Note Records. También apareció en el disco del guitarrista Charlie Hunter, “Songs from the Analog Playground”.

Para su debut, el legendario productor Arif Mardin, conocido por su trabajo con Aretha Franklin en la década de los sesenta, fue reclutado, pero el disco fue grabado con la propia banda de la Norah, en lugar de con músicos de estudio. Mardin realizó una producción inmaculada del disco.

Mientras que el jazz es claramente una gran influencia para la Norah Jones, “Come Away with Me” no es realmente un álbum de jazz. Hay solamente una melodía que se podría describir como estándar de jazz, el resto de los ingredientes musicales vienen tanto del soul como del country. Norah es una buena pianista, y toca en todos los temas menos en una pieza, pero este es un álbum muy orientado a la guitarra, con la guitarra acústica probablemente siendo la voz instrumental principal. Y el guitarra en su banda es Jesse Harris, quien escribió o co-escribió cinco de las catorce canciones del disco. También aporta canciones el bajista Lee Alexander. Completando su banda está Adam Levy en la guitarra eléctrica y Dan Reiser en la batería, aunque el destacado batería de jazz Brian Blade se escucha en varias pistas.

Uno de los aspectos más atractivos de este álbum es su ambiente relajado e íntimo. Con un productor como Mardin a bordo, el disco está claramente dirigido a un público más amplio que el simple aficionado al jazz, con más canciones orientadas al pop, dentro de un trabajo notablemente ecléctico.

Norah Jones tiene una voz que desmiente su edad. También es evidente que ella ha escuchado a Patsy Cline, así como a Billie Holiday. Es una respetable pianista que demuestra versatilidad y comprensión de los principios del buen acompañamiento vocal. La combinación de las letras y el sonido íntimo que se logra, hace de este disco una grabación distinta y al instante atractiva.

El álbum fue un éxito enorme, vendiendo aproximadamente 22 millones de copias en todo el mundo y ganando 8 premios Grammy, incluyendo “Mejor grabación”, “Mejor canción” y “Mejor álbum”. Es el álbum de estudio (no recopilatorio) más vendido del siglo XXI hasta el momento.

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO

En 1971, el grupo de rock británico Jethro Tull tuvo su mayor éxito en todo el mundo con el LP “Aqualung”, que los críticos describieron como un álbum conceptual sobre la religión, a pesar de que el líder Ian Anderson negó que el disco estuviera destinado a ser como las clásicas Suites del rock progresivo que se habían hecho cada vez más populares a principios de los setenta.

El mito dice que Anderson estaba enojado por este error: “No estoy enojado, no”, explicaba casi cuatro décadas después. “En realidad estaba ligeramente irritado e  irónicamente divertido”. Por mucho que insistiera en que “Aqualung” no era un álbum conceptual, los medios de comunicación todavía persistían en tratarlo como tal. Parecían creer que todo el disco era una crítica de la religión: “La verdad era que tres o cuatro canciones estaban vinculadas a cuestionar la naturaleza de la religión. Pero el resto eran canciones independientes”. Así que, con este panorama pensó: “OK, no sólo vamos a hacer un álbum conceptual real, sino que vamos a hacer que sea la madre de todos los álbumes conceptuales”.

Entonces Anderson decidió expresar sus sentimientos acerca de los álbumes conceptuales y del prog-rock en general a través de la parodia, grabando un álbum llamado “Thick as a Brick”. Vendió millones de copias, pero su ingenio es tan seco y tan sutil que muchos no se dieron cuenta de  la broma.

Jethro Tull en 1972. Ian Anderson es el 2º por la Izquierda.

La piedra angular de la obra fue un poema, escrito presuntamente por Gerald Bostock, un niño de 8 años de edad, reciente ganador de un premio de poesía que le es retirado cuando se comprueba que ha dejado embarazada a una chica de 14 años. Sin embargo, este es un personaje totalmente ficticio, creado por Anderson. A pesar de los intentos a lo largo de los años de descubrir la verdadera identidad del niño poeta, la verdad es que Bostock no tiene conexión con nadie del pasado de Anderson.

“Si, hay un elemento autobiográfico en lo que escribí. Cuando era niño, yo era un poco rebelde. La mayoría de mis compañeros aspiraban a ir a la escuela primaria, convirtiéndose luego en parte de la sociedad más convencional. Eso nunca me atrajo. Yo era el tipo de niño que le gustaba pasar el tiempo observando la vida  y luego analizándola. También me encantaron las historias de ciencia ficción de la época (la década de los cincuenta), porque hablaban de un futuro diferente y emocionante. Así pues, dibujé esto para el carácter de Gerald Bostock. Pero él mismo es una ficción”.

Finalmente, en diciembre de 1971, la banda entró en los Morgan Studios en el noroeste de Londres y, bajo la producción del propio Anderson, grabó el álbum (que es una composición dividida en dos movimientos) durante un período de quince días, incluyendo el Mezcla.

Las cubiertas y el interior del disco de vinilo fueron diseñados imitando un diario de un pequeño pueblo, el “St. Cleve Chronicle & Linwell Advertiser”, en el cual se incluye la letra de la canción y diversas noticias y pasatiempos típicos de un periódico local. Algunas de las noticias, creadas por Anderson, son absolutamente delirantes. Es recordado el pasatiempo de unir los puntos, dando como resultado una mujer desnuda.

Musicalmente, “Thick as a Brick”es una joya de una belleza imperecedera, sencilla y compleja a la vez (el propio Anderson admitía que le resultaba más fácil componer una obra así que un conjunto de canciones al estilo convencional), y por supuesto, una de las más grandes obras de la historia del Rock.

“Solo en los últimos tiempos he apreciado la complejidad de la música”, admite Anderson. El álbum consta de una sola canción que ocupa todo el disco, dividida en dos partes a causa de las limitaciones del vinilo original. A pesar de lo larga que pueda parecer, la atención en ningún momento decae. Cada nueva parte que suena es vigorosa, capta nuestra atención y nos introduce en el siguiente segmento. Destacable en este álbum es posiblemente la repetición. Pequeñas variaciones que permiten darle un nuevo énfasis emocional a cada momento y una perspectiva diferente a la estructura.

La estructura musical de varias de las partes que van emergiendo cíclicamente es más propio de una sinfonía clásica que del rock. El número de instrumentos que van interviniendo a lo largo de todo el disco de 43 minutos se hace incontable, incluyendo, aparte de los instrumentos tradicionales del rock, xilófonos, órgano Hammond, violines e, inevitablemente, la flauta de Anderson; sin embargo, este disco, a diferencia de los anteriores, incluye como instrumento principal los teclados.

A base de querer parodiar y mostrar los excesos del rock progresivo, Ian Anderson creó uno de los álbumes fundamentales del género.

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO

El guitarrista Charlie Byrd, guitarrista clásico que fue alumno de Andrés Segovia, fue invitado a tocar en Brasil durante una gira de buena voluntad cultural patrocinada por el gobierno del presidente Kennedy en 1961. En ese viaje descubrió la Bossa nova.

Totalmente atraído por esos ritmos, a su vuelta Byrd trata de editar un disco con su discográfica sin ningún éxito. Entonces aparece en escena Stan Getz de forma un tanto oscura (hay numerosas versiones de la misma historia aunque todas parecen coincidir en que llegó en el último momento). La pareja persuadió a Verve Records para efectuar la grabación que se convirtió en “Jazz Samba”.

Stan Getz y Charlie Byrd crearon una nueva sensación en el mundo del jazz. Medio millón de copias se vendieron en 18 meses, lo que lo convierte en el único álbum de jazz que llegó al nº 1 en la lista de popularidad del Billboard.

Stan Getz al Saxo y Charlie Byrd a la Guitarra (Primero por la Derecha)

La fórmula mágica de “Jazz Samba” es fácil de comprender. Sus suaves texturas, bajos volúmenes y un ambiente discretamente relajado, fue un cambio notorio frente al sonido “Cool” de la década anterior, alcanzando a un público más amplio suavizando algunas de las aristas del bebop y el hard-bop.

El sonido de Getz, notablemente suave y tierno, muy admirado incluso por músicos mucho más ásperos que él, incluyendo a John Coltrane. Era tan seductor como un susurro y su lirismo natural a menudo le permitía improvisar mejores temas que los que estaba tocando. En este álbum, los ritmos hipnóticos de la música tradicional brasileña fueron ralentizados y sutilmente remodelados, influenciados por compositores brasileños como Antonio Carlos Jobim y el guitarrista / vocalista João Gilberto.

“Desafinado” fue el tema más emblemático de “Jazz Samba”, pero el álbum, casi todo compuesto por músicos brasileños, brilló con material memorable, como “Samba de Uma Nota Só” composición de Jobim y Newton Mendonça, “Baia” y el melancólico “Samba Triste”. El notoriamente irascible Getz chocó con Byrd por los derechos de autor y su asociación se rompió. Pero el boom de la Bossa nova se mantuvo de actualidad, pasando por varias mutaciones, incluyendo interpretaciones por una Big Band,  que en su mayoría sonaban inadecuadas para la delicadeza de ese estilo musical.

ENLACE AL ÁLBUM COMPLETO

STAN GETZ & CHARLIE BYRD (DESAFINADO)

El próximo quince de febrero actúan en León, en el Auditorio de la ciudad, la cantante Tamara junto con el Trío Los Panchos. Este trío es historia viva de la música cantada en español. Creadores de la mayoría de los boleros más conocidos, han sido parte importantísima de la banda sonora de varias generaciones. Sus boleros a la “mexicana”, como los definió algún crítico, tenían una mayor profundidad dramática que los compuestos por otros autores. Hagamos pues un repaso a una intensa carrera de más de setenta años.

El Trío Los Panchos empezó su carrera en Nueva York, en 1944, aunque sus miembros no eran de allí: Alfredo Bojalil Gil “El Güero” y Jesús “Chucho” Navarro eran mexicanos, núcleo duro del grupo, y Hernando Avilés de Puerto Rico. Pero en sus seno hubo continuos cambios, seguir su biografía es extraordinariamente complicado.

En 1951, cuando Hernando Avilés abandonó el grupo, inmediatamente Gil y Navarro convocaron a una audición a varios aspirantes, la cual ganó el músico y cantante boliviano Raúl Shaw Moreno. Shaw Moreno solo duró unos nueve meses con el grupo, ya que su voz, más pastosa y fuerte que la de Avilés, no terminó de gustar al público.

Hernando Avilés, Chucho Navarro y Alfredo Gil

Después de este contratiempo, el lugar de primera voz fue ocupado por variedad de artistas como los puertorriqueños Julio Rodríguez Reyes y Johnny Albino y el mexicano Enrique Cáceres Méndez, entre otros, incluyendo un fugaz regreso de Hernando Avilés a finales de los cincuenta.

En 1964, CBS propuso a los integrantes del trío, entonces conformado por los dos integrantes fundadores y Johnny Albino, el acompañar por primera vez a una voz femenina. Se trataba de la vocalista estadounidense de ascendencia sefardí Eydie Gormé, quien tenía varios años de trayectoria discográfica en los Estados Unidos y que empezaba a grabar en español. De la colaboración entre Gormé y Los Panchos, nació el álbum “Great Love Songs In Spanish”. El éxito de este disco hizo que la CBS los reuniera nuevamente para grabar los álbumes “Cuatro Vidas” y “Blanca Navidad”. Los Panchos volvieron a colaborar con vocalistas femeninas. Es el caso de los álbumes grabados junto a la italiana Gigliola Cinquetti y las cantantes argentinas Estela Raval y María Martha Serra Lima.

Eydie Gorme y Los Panchos (1964)

Eydie Gorme y Los Panchos (Cuatro Vidas) 1965

Ovidio Hernández fue primera voz del trío de 1971 a 1976. Fue autor de las canciones “Ah, que gente”, “Escoria”, “Camina”, “Perderás, perderás” y “Por fuera y por dentro”. Lamentablemente una infección acabó con su vida falleciendo en México D.F. el 27 de septiembre de 1976, como dijo Chucho Navarro “el primero de Los Panchos que nos deja”.

Rafael Basurto Lara Ingresó en el trío como 1ª voz tras el fallecimiento de su antecesor Ovidio Hernández. En 1981 con el retiro de Alfredo Gil, se cerró un ciclo en Los Panchos, el anuncio se hizo a través de una gira por América, que se llamó “Hasta Siempre”, en Venezuela realizaron un especial de televisión donde Alfredo Gil anunció su retiro y la continuación de Rafael Basurto Lara como la 1ª voz del grupo.

Pero al poco tiempo, Chucho Navarro y Rafael Basurto Lara decidieron continuar, como “Los Panchos” esta pequeña sutileza era el respeto por la retirada de Alfredo Gil, porque por muy bueno que fuera el músico que designaran, jamás ocuparía el lugar de Gil. Varios fueron los miembros que acompañaron a “Los Panchos” entre ellos podemos citar a los mexicanos Willy Fonseca, Lalo Ayala, José Luis Sánchez Camacho y Gabriel Vargas.

Formación de Los Panchos en 1990

Tras la desaparición física de Chucho Navarro en 1993, surgieron sucesivas formaciones utilizando, legal o ilegalmente, el nombre del “Trío Los Panchos”, pero lo cierto es que los miembros del verdadero, único e irrepetible “Trío Los Panchos” ya no se encuentran entre nosotros, pero quedan para siempre en la memoria colectiva la grabación de más de 2500 canciones, repartidas en unos 260 discos de larga duración, entre los que se encuentran 6 grabados en japonés y 2 en griego. Así mismo participaron en unas 50 películas, ganaron muchos discos de oro e infinidad de premios, reconocimientos y homenajes alrededor del mundo.

Pueden ser considerados como el grupo más importante de la historia de la música romántica. Sus canciones han acompañado, enamorado y emocionado a millones de personas. Son sencillamente eternos.

AMPLÍSIMA SELECCIÓN DE SUS GRANDES ÉXITOS

Este aciago 2016 se cerró con otra gran pérdida para la música popular. Rick Parfitt, miembro fundador y guitarrista de Status Quo, falleció el pasado día 24 de diciembre a los 68 años de edad.

Quizás no era una figura muy popular, ni ha tenido la repercusión mediática de otros fallecidos el pasado año, que con menos méritos, se han ido en loor de multitudes. Parfitt fue corresponsable, junto a Francis Rossi, de un sonido genuino como pocos, el de Status Quo. Ese rock con reminiscencias boogie-woogie, que sobrevivió a los cambios de las modas musicales y los convirtió en uno de los mejores grupos de su generación.

Richard John Parfitt nació en Woking, Surrey el 12 de octubre de 1948. Comenzó a tocar la guitarra cuando tenía 11 años y dejó el colegio a los 15 para comenzar a actuar por unas pocas libras que, según sus biógrafos, servían en su mayor parte para financiar el alcoholismo de su padre.

Conoció a Francis Rossi en 1965, cuando ambos tocaban con sus respectivos grupos ante campistas de vacaciones en la costa suroeste de Inglaterra.

Dos años después Parfitt, junto con Rossi, Alan Lancaster, John Coghlan y Roy Lynes se unieron para formar Status Quo, que alcanzó su primer éxito en 1968 con “Pictures of Matchstick Men”. Trabajo totalmente influenciado por el movimiento psicodélico de la época, ocupó el número siete en las listas británicas.

Pictures of Matchstick Men (1968)

Pero la banda se estaba desilusionando con la dirección que estaban tomando. Abandonaron sus ropas floridas, y se establecieron en un estilo más tradicional del rock.

Hasta 1972 pasaron por una especie de travesía del desierto. Ese año fueron fichados por Vértigo, editaron “Piledriver”, despegue de su éxito comercial y considerado como el álbum que definió por completo el sonido de la banda; una fluctuación entre el hard rock y el boogie rock. Este disco incluía el single “Paper Plane”, uno de sus clásicos. En una entrevista en 2014, Parfitt dijo del álbum: “Me encanta cada canción de ese álbum”.

 Paper Plane (1972)

En noviembre de 1974 publicaron el sencillo “Down Down”, que logró el primer puesto en el Reino Unido y que sirvió de promoción para el disco “On the Level”, que salió a la venta en febrero de 1975 y que se convirtió en una de sus producciones más exitosas de los años setenta.

Down Down (1974)

En noviembre de 1977 pusieron a la venta “Rockin’ All Over the World”, que se convirtió en uno de sus álbumes más vendidos en el mundo con más de 7 millones de copias comercializadas hasta 1997. Un año más tarde lanzaron “If you Can’t Stand the Heat”, que mantuvo el éxito comercial de sus predecesores, ya que se ubicó en los top 20 de varios países europeos. En octubre de 1979 publicaron su duodécimo álbum de estudio “Whatever You Want”, que como se esperaba, fue un gran éxito en el Reino Unido ya que logró el tercer puesto en la lista inglesa y recibió el disco de oro en su propio país, solo un par de días después.

Whatever you Want (1979)

Con la llegada de la década de los ochenta y con la publicación de “Just Supposin” y “Never Too Late” la banda decidió dar un cambio en su sonido, alejándose del hard rock hacia un rock más comercial e incluso adoptaron algunos elementos de la new wave. A pesar de ello lograron mantener su éxito en su propio país, ya que ambos se posicionaron en los top 5 de las listas Británicas.

What you’re Proposing (1980)

Por aquel entonces comenzaron aparecer las primeras fricciones de los miembros de la banda.  Esto supuso el fin de la formación clásica llamada “the frantic four”.

A principios de 1986, anunciaron a John Edwards y Jeff Rich como nuevos integrantes en reemplazo de Lancaster y Kircher, respectivamente.

A fines de agosto del mismo año publicaron, “In the Army Now”, que logró un relevante éxito debido al éxito de tres sencillos, de los cuales destacó la canción homónima. Dicho tema logró gran aceptación en varios países europeos e incluso su significado revolucionó a los jóvenes soviéticos, quienes la utilizaron como himno ante la rígida política de ese país. Esto provocó que cuando la banda se presentó en dicho país en 1988, durante 14 noches en el Estadio Olimpiski de Moscú, las autoridades soviéticas controlaron cada uno de sus conciertos, ante la posible revolución de los jóvenes moscovitas.

In the Army Now (1986)

Parfitt fue pieza fundamental de una banda, que alejada de flashes mediáticos y apariciones en las revistas del corazón, marcó con su honestidad y sin artificios, una época que ya no volverá. Parfitt fue un músico fiel a sí mismo, sincero y consecuente. Un auténtico “obrero” del rock, donde más que modas pasajeras y los éxitos puntuales, hubo un trabajo callado y exigente.

Status Quo (Live at Wembley Arena) 2013