Durante sus doce años como banda, Led Zeppelin lanzó ocho álbumes de estudio, todos los cuales fueron excelentes en diferentes grados. Pero «Physical Graffiti» destaca por dos razones. Primero es matemática simple, ya que es su único álbum de estudio doble. Y la segunda razón sería, la gran diversidad de este trabajo, que combina material recién compuesto con tomas de los tres álbumes de estudio anteriores del grupo y en el proceso captura una increíble variedad de estilos, producción y métodos de composición. Todo esto, más el simple hecho de que las actuaciones individuales están repletas de una musicalidad innovadora y sobresaliente.

Pero primero hay que situarse a mediados de los años setenta, para comprender el alcance e impacto de esta banda. Cada uno de sus cinco álbumes anteriores se había convertido en platino, vendiendo más de un millón de copias; uno, «Led Zeppelin (IV)», había vendido más de tres millones. Establecieron nuevos récords de asistencia a conciertos en los Estados Unidos, atrayendo 56,800 espectadores a un solo espectáculo en Tampa, Florida, en 1973, y 120,000 a seis conciertos en el área de Nueva York en 1975. A tenor de estas cifras, Led Zeppelin era, sin duda, la banda de rock más popular del mundo. Definitivamente, los setenta fueron suyos, musicalmente hablando.

Robert Plant, John Paul Jones y Jimmy Page, durante un concierto en el Earl’s Court de Londres, en Mayo de 1975. Fotografía: Michael Putland / Getty Images

En sus primeros tres años como banda, Led Zeppelin grabó y lanzó cuatro álbumes con títulos numéricos secuenciales. En el transcurso de estos álbumes, el material se diversificó desde el blues hasta el folk, y muchos subgéneros que sutilmente iban apareciendo en sus grabaciones. Lanzado en 1973, «Houses of the Holy», se construyó más en el estudio que cualquiera de sus predecesores, aprovechando los avances tecnológicos y el uso de sobregrabaciones para forjar el sonido. Para su siguiente trabajo, el grupo fue a Headley Grange en East Hampshire, a finales de 1973. Habían grabado anteriormente, «Led Zeppelin IV», con el Mobile Studio de Ronnie Lane en este lugar, pero estas sesiones posteriores se abandonaron pronto ya que el nuevo material no terminaba de desarrollarse y el bajista John Paul Jones había enfermado. En cambio, las sesiones se entregaron al nuevo grupo Bad Company, que recientemente había firmado con el nuevo sello Swan Song, creado por los Zeppelin, y se utilizó la ubicación para grabar su álbum debut homónimo de 1974.

El grupo se volvió a reunir en Headley Grange en enero de 1974 y fue mucho más fructífero, registrando ocho nuevas pistas durante las siguientes semanas. El tiempo de ejecución de estas pistas se extendió más allá de la duración de un álbum convencional (en ese momento, los álbumes de vinilo generalmente duraban alrededor de 45 minutos), por lo que el grupo decidió extenderlo a un LP doble al incluir varias canciones inéditas de Led Zeppelin de las sesiones de sus anteriores álbumes Esto extendió el proyecto un poco más, ya que se requirieron sobregrabaciones adicionales para lograr la consistencia sonora necesaria, por lo que la mezcla final no tuvo lugar hasta octubre de 1974. El título del álbum fue acuñado por el guitarrista y productor Jimmy Page, que quería transmitir cuánta «energía física» había invertido en la producción de este álbum. El título también provocó la idea de su exclusiva cubierta, con una funda troquelada a través de la cual se pueden alternar varias imágenes en las ventanas de una casa de piedra rojiza de la ciudad de Nueva York.

Led Zeppelin: John Bonham, Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones. Fotografía: Chris Walter / WireImage

«Physical Graffiti» fue un éxito comercial y crítico, llegando a la cima de las listas después de su lanzamiento, obteniendo, una vez más, el platino en ventas. Con la mitad del álbum como un recorrido por las múltiples fases por las que este grupo, con una increíble diversidad musical, había pasado durante sus primeros cinco años de existencia, y cinco álbumes de estudio, y en la otra mitad, mostraba a la banda progresando hacia adelante con la fusión del funk, hard rock, pop, soul, y la modernidad de su sonido. Este álbum sigue siendo el mejor ejemplo de lo que hizo de Led Zeppelin una fuerza musical tan tremenda.

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Aunque otros artistas han vendido más discos y son más famosos, pocos han tenido un impacto tan profundo en la música contemporánea como Emmylou Harris. Bendecida con una voz cristalina, un don notable para el fraseo, y un espíritu creativo inquieto, ella ha tenido una trayectoria artística singular, llevando orgullosa la antorcha de la música americana pasada por su mentor Gram Parsons. Pocas estrellas de la música han creado un cuerpo musical tan extenso como consistentemente, iconoclasta, ecléctico o atrevido; Después de cinco décadas de carrera, sus últimos trabajos son tan sinceros, visionarios y vitales como sus primeras grabaciones.

Harris nació el 2 de abril de 1947, en una familia, cuyo padre, militar de profesión, estaba destinado en Birmingham, Alabama. Después de pasar gran parte de su infancia en Carolina del Norte, se trasladó a Woodbridge, Virginia, donde se graduó en la escuela secundaria. Después de ganar una beca para la Universidad de Carolina del Norte, comenzó a introducirse seriamente en la música, aprendiendo a tocar canciones de Bob Dylan y Joan Baez. Pronto Harris estaba actuando en un dúo con su compañero de estudios Mike Williams, abandonando la Universidad para mudarse a Nueva York, para encontrarse una comunidad de músicos folk languideciendo a causa de la psicodelia.

Sin embargo, Harris permaneció en Nueva York, actuando en el circuito de salas del Greenwich Village antes de convertirse en un habitual de Gerdes Folk City, donde se unió con otros amigos folkies. Después de casarse con el compositor Tom Slocum en 1969, grabó su LP de debut, “Gliding Bird”. El álbum contiene cinco composiciones folk de Harris, influidas por Joan Baez y Joni Mitchell, así como versiones de temas country de Bob Dylan y Fred Neil. Poco después del lanzamiento del disco, la discográfica de Harris se declaró en bancarrota, y mientras esperaba su primer hijo, su matrimonio comenzó a desmoronarse. Después de mudarse a Nashville, ella y Slocum se divorciaron, dejando sola a Harris para criar a su hija Hallie por su cuenta. Después de varios meses de lucha y pocos recursos económicos, regresó con sus padres, que habían comprado una granja a las afueras de Washington.

Emmylou Harris en 1968. Fotografía: David Gahr

Allí ella volvió a actuar, formando un trío con los músicos locales Gerry Mule y Tom Guidera. Una noche de 1971, mientras tocaba en un club llamado Clyde’s, el trío tocó a una multitud que incluía a miembros de los pioneros del country rock, los Flying Burrito Brothers. A causa de la salida de Gram Parsons, el fundador de la banda, los Burritos estaban liderados por el ex Byrd Chris Hillman, que quedó tan impresionado por el talento de Harris que consideró invitarla a unirse al grupo. En cambio, Hillman los dejó para unirse a Stephen Stills en su proyecto de Manassas, pero la recomendó a Parsons, que quería una vocalista femenina para completar el sonido de su primer trabajo en solitario. Su conexión fue instantánea, y pronto Harris se fue introduciendo en la música country cantando en el debut en solitario de Parsons , el álbum “GP” de 1972, y en 1973 regresaron al estudio para grabar el siguiente LP de Parsons “Grievous Angel”.

El 19 de septiembre, pocas semanas después de que terminaran las sesiones de grabación del álbum, la mala vida de Parsons le pasó factura, y lo encontraron muerto en una habitación de hotel en el parque nacional de Joshua Tree en California. En ese momento, Harris estaba de vuelta en Washington, recogiendo a su hija para un traslado planeado a la costa oeste. En cambio, permaneció allí, reuniéndose con Tom Guidera para formar la Angel Band. El grupo firmó con Reprise y se trasladó a Los Ángeles para comenzar a trabajar en el 2º álbum de Harris, después del anecdótico “Gliding Bird”.

“Pieces of the Sky” es una impecable colección de canciones compuestas en gran parte por diversas influencias que iban desde Merle Haggard hasta los Beatles. En este maravilloso álbum, Emmylou Harris establece rápidamente el patrón que seguiría la gran mayoría de sus trabajos posteriores: “Pieces of the Sky” es sumamente variado, está impecáblemente realizado y es dolorosamente hermoso. En medio de una colección de canciones impresionante, emerge la pieza central del disco, y quizás la canción más icónica de Harris, ”Boulder to Birmingham”, que es su sentido homenaje a Gram Parsons.

Emmylou Harris durante un concierto en Amsterdam en 1975. Fotografía: Gijsbert Hanekroot / Redferns

Grabado en Los Ángeles con el productor canadiense Brian Ahern, con quien Emmylou se casaría unos años más tarde. Trajo las influencias de la escena del country rock de California en la que Emmylou había estado inmersa durante su convivencia con Gram Parsons, fusionándolas con elementos mucho más tradicionales.

Los músicos que arroparon a Emmylou en este álbum, incluyeron a Herb Pedersen (más tarde miembro de la Desert Rose Band de Chris Hillman) como la principal voz masculina de apoyo, más guitarras y banjo. Bernie Leadon de los Eagles, tocando una variedad de instrumentos. Los futuros miembros de su banda, la influyente Hot Band, y antiguos colaboradores de Elvis Presley, James Burton y Glen D. Hardin, y Fayssoux Starling y su íntima amiga Linda Ronstadt, en los coros. La propia Emmylou tocaba la guitarra acústica en varias pistas.

El álbum se vendió bastante bien, llegando al nº 7 en las listas country.

Fotografía: Philip Gould / Corbis

«Pieces of the Sky» es el vuelo de un ángel, con una de las voces más personales y bellas de la música popular. Es su declaración de independencia artística, ya sin necesidad de ninguna mano que la guíe. Fueron los cimientos para construir una de las trayectorias musicales más coherentes y sólidas que han existido. Emmylou harris es sencillamente imprescindible. En otros, este calificativo puede sonar a exageración, En el caso de Emmylou, seguramente nos quedaremos cortos al utilizarlo.

Elvis Costello dijo una vez, que cantar con Emmylou Harris debía de ser lo más parecido a estar en el cielo. Escuchándola en este álbum, y en los posteriores, ya nos sentimos en el paraíso.

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La influencia inconmensurable de los Smiths, arroja una larga sombra sobre la escena musical que se ha mantenido hasta nuestros días. La banda es frecuentemente anunciada con elogios como «La banda más influyente de los ochenta», y la «más importante». Los Smiths, examinados en retrospectiva, fueron una respuesta directa a la pomposidad de sus contemporáneos musicales de la New Wave. Muchas bandas generalmente se transformaron de brillantes esperanzas de algo original, en música de  consumo generalizado para las masas. La banda buscó mantenerse al margen de la fórmula del sintetizador que repentinamente estaba de moda y totalmente sobreexplotada. La brillantez del dúo de compositores: Steven Patrick Morrissey y Johnny Marr, fue clave para presentar otra opción musical.

Muchos se preguntarán por qué este álbum en particular, y The Smiths, en general, han tenido tanto impacto. La respuesta es complicada, pero se reduce a su esencia. Los Smiths capturaron la angustia existencial de la vida. «Meat is Murder» fue también un repudio al panorama musical británico de la época, cargado de sintetizadores. Donde el movimiento New Wave, en su mayor parte, no tenía más que un enfoque lúdico en su propuesta musical. Los Smiths, por el contrario, eran una mezcla de angustia, realismo, sinceridad, humor autocrítico y un catálogo de obsesiones varias.

The Smiths: Andy Rourke, Morrissey, Mike Joyce y Johnny Marr. Fotografía: Kevin Cummins / Getty Images

El énfasis de los Smiths no estaba en los ganadores, sino en esos inadaptados y excéntricos, muchas veces socialmente incómodos, que pueblan nuestra sociedad, la de entonces y la de ahora. Morrissey escribiría sobre la realidad del aislamiento, la angustia y los acontecimientos cotidianos que agobian a una persona. A lo largo del álbum, el consumidor de su música encuentra personajes con los que pueden identificarse fácilmente. Muchos sintieron lo mismo, los Smiths, en sus canciones, estaban poniendo voz a una gran cantidad de experiencias de la gente. Había algo completamente atrayente en la eficaz suma de la música compuesta por Johnny Marr y las letras de Morrissey, que una vez escuchadas, las hacían imposibles de olvidar.

Antes de grabar «Meat is Murder», la banda estaba decepcionada con su debut homónimo, sintiendo que la producción no había sido lo que pretendían. Para este nuevo álbum, Morrissey y Marr tomarían el timón de la producción con la ayuda del ingeniero Stephan Street.

Fotografía: Stephen Wright

Con un arranque bastante tímido en las listas. «Meat is Murder» sería su único lanzamiento de estudio nº 1. Los singles oficiales del álbum fueron: «That Joke is Funny Anymore» y «Barbarism Begins at Home», pero esos dos singles quedarían eclipsados ​​en el tiempo por «How Soon is Now» que eventualmente se incluiría en lanzamientos posteriores del álbum.

«Meat is Murder» es un paseo por el lado oscuro de la existencia humana y las muchas indignidades que se experimentan a lo largo de la vida. Hay una serie de temas oscuros y siniestros que se tratan. Temas de los que a la sociedad le gusta apartar la vista porque es más fácil fingir que no existen que encontrar una mejor manera de resolverlos y afrontarlos. The Smiths combinaron estos temas con sonidos atractivos. La música era fácil de abordar, lo que ayudaba a que las duras verdades que se exponían en sus canciones arraigaran, mientras se envolvían en un envoltorio musical tan fascinante. Ese es secreto de este álbum, y por qué, 35 años después, sigue impactando como lo hace.

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